El dibujo como forma de entender del mundo

 

Autorretrato

El dibujo es, y ha sido para mi, una herramienta multifacética para la comprensión de la realidad y hacer visible lo que sólo se encontraba en mi cabeza. El dibujo va mucho más allá de ser una mera disciplina artística o un lenguaje expresivo. Desde mi infancia y hasta mi desarrollo como artista y profesor de dibujo, el dibujo me ha servido para observar y analizar las formas de la naturaleza, lo que me ha permitido entender mejor la geometría de las formas. 

 Entonces el dibujo ¿Para qué sirve?.

 Respondiendo a la pregunta que muchos alumnos me han hecho a la largo de mi carrera como docente podemos responder así:

• El dibujo es una herramienta de observación y percepción: Aprender a dibujar es, en esencia, aprender a observar de una manera diferente y más profunda. Implica prestar atención a detalles como contornos, dintornos, distancias, tamaños, formas, figuras, fondos, luces, sombras y colores. Esta observación activa nos permite ver elementos y estructuras que antes parecían ocultos, haciéndolos cada vez más evidentes con la práctica. Siguiendo en la línea de John Berger, uno no ha "visto" algo realmente hasta que lo ha dibujado, ya que el acto de dibujar obliga a diseccionar y reconstruir el objeto en la imaginación. Esta habilidad se desarrolla con el tiempo y el entrenamiento, no es un don innato.

  

  Estudio de Academia

  
   

• El dibujo es un proceso cognitivo y de pensamiento visual: El dibujo es un acto de pensamiento visual o visual thinking, como ya explicó Dan Roam, y donde el lenguaje y el pensamiento gráfico van de la mano. Permite organizar la mente y "aterrizar" conceptos que, en un primer momento, pueden ser informes e indefinibles con palabras. Se trata de una forma de "pensar con imágenes". La mano, el ojo y la mente trabajan en un sistema coordinado y subliminal. Al dibujar, no solo se registra lo que se ve, sino que se procesa, manipula y filtra la información visual, generando imágenes mentales que luego se intentan representar.

• El dibujo permite una construcción y transferencia de conocimiento: El dibujo es un medio para la construcción de conocimiento y la proyección de ideas. Facilita la comprensión de conceptos complejos e ideas abstractas. Por ejemplo, en la ciencia y la anatomía, los dibujos anatómicos y diagramas científicos ayudan a representar y entender fenómenos complejos que no son inmediatamente evidentes, sirviendo como herramientas educativas y de análisis. Leonardo da Vinci, por ejemplo, utilizó el dibujo para sus estudios de anatomía y diseños de máquinas voladoras, demostrando una forma de pensar adelantada a su tiempo y revelando secretos que se materializarían en el futuro.

  

  Vaciado de escayola

  
   

• El dibujo permite un análisis y síntesis de la realidad: El dibujo es un medio para el análisis y la síntesis de la realidad. Permite descomponer elementos complejos en partes más pequeñas para comprender su estructura. Un ejemplo notable es Pablo Picasso, quien, a través de once pasos, sintetizó la imagen de un toro, partiendo de una imagen con alto grado de iconicidad hasta llegar a una expresión mínima pero reconocible y expresiva. Este proceso de sintetizar la esencia de lo que se ve y simplificar la forma conservando la estructura es clave para crear nuevas soluciones que superen la mera reproducción.

• El dibujo es una herramienta de reflexión y autoaprendizaje: El diario de artista (o cuaderno de esbozos) es un recurso personal y libre para recoger ideas y pensamientos en el trabajo creativo diario. Sus objetivos incluyen facilitar la autorreflexión, favorecer el autoaprendizaje, crear el hábito del dibujo, documentar la investigación artística, y anotar ideas e inspiraciones. Artistas como Leonardo da Vinci y Frida Kahlo mantuvieron diarios que demuestran su capacidad analítica, interés científico y expresión íntima, combinando dibujos, diagramas y anotaciones.

  Diferencias entre dibujo artístico y técnico

  Mientras que el dibujo artístico enfatiza la emoción, la estética y la subjetividad, el dibujo técnico busca precisión, exactitud y claridad. Ambos tienen en común la capacidad de organizar y transmitir información de manera visual.

En resumen, el dibujo no es solo una representación, sino un proceso activo de interacción con el mundo que nos rodea, que agudiza la percepción, organiza el pensamiento, facilita la comprensión y la transmisión del conocimiento, y permite la creación de nuevas ideas y soluciones.

Lanzarote del Lago un retrato

 

Lanzarote del Lago

 

Siento que el mundo actual necesita héroes que encarnen los valores perdidos de la caballería medieval. Los jóvenes de hoy, por ejemplo, escuchan a Bad Bunny, un icono pop global que para muchos representa la rebeldía y la libertad cultural. En el siglo XII, Chrétien de Troyes creó un personaje que se hizo célebre —tanto que muchos llegaron a creer que existió realmente—: un héroe que rompió moldes, viviendo de forma rebelde (amó a la mujer de otro) y llevando sus conflictos internos con orgullo. Quería explorar cómo esos ideales atemporales de valentía y honor pueden resonar en nuestra época. 

  Esta obra se realizó con una planificación meticulosa. Empecé con la búsqueda de ideas y la investigación de la historia del personaje, lo que me llevó a realizar varios bocetos a lápiz.

Posteriormente, el dibujo se transfirió al soporte y continué con una grisalla para asentar la valoración tonal. En fases sucesivas, fui trabajando del fondo hacia la superficie, ajustando el color para materializar la visión que tenía en mente. Es, en esencia, la técnica clásica de pintura que habrían utilizado maestros como Manuel Franquelo, Eduardo Naranjo o W. Bouguereau.

 Sir Lancelot du Lac es un personaje literario de ficción creado por un escritor francés en el siglo XII, Chrétien de Troyes, en un famoso cuento titulado El Caballero de la Carreta. Probablemente fue un encargo de una acaudalada dama llamada María de Champaña, nieta de Guillermo de Aquitania, un trovador muy conocido.

El tema principal de este cuento es el rapto de Ginebra por parte de Meleagante, pero en lugar de ser su esposo, el rey Arturo, quien sale al rescate, es su amante, Lancelot, quien lo hace. Este rapto provoca inicialmente la partida de Gawain y Lancelot. Más adelante, tras algunas batallas y aventuras, Gawain se separa para tomar el camino del Puente Sumergido, mientras que Lancelot tomará el Puente de la Espada. Finalmente, la dama es rescatada y Lancelot se convierte en el amante y caballero perfecto.

5 motivos para copiar a los Grandes Maestros

 

 

Copia de Iván Kramskói

 

 Comenzamos en el blog con una pregunta para animar a la gente a empezar a pintar. Muchos me preguntáis ¿Y por dónde empiezo? Ya sé usar los materiales, ¿y ahora?.

 Aquí os expongo 5 motivos para copiar a los grandes maestros.

 

1. Una tradición histórica
Copiar obras maestras no es un invento moderno. Durante siglos, los aprendices de pintura en talleres y academias aprendían imitando a los maestros. El propio Velázquez estudió a Tiziano y Rubens, Ingres copió a Rafael, y Picasso dibujó versiones libres de El Greco y Rembrandt. Copiar era, y sigue siendo, parte del aprendizaje artístico, igual que un músico interpreta obras de Beethoven para mejorar su técnica.

Nosotros en primero de Bellas Artes, en la clase de pintura, nos daban fotocopias a color de cuadros famosos para copiar.
 

2. Comprensión profunda de la técnica
Cuando copias una obra de un gran maestro, no solo reproduces formas y colores:
 

1. Analizas la composición: cómo se equilibra la imagen, cómo se distribuye el peso visual.
2. Estudias la luz y el color: cómo se crean las sombras, las transiciones tonales, la atmósfera.
3. Descubres el trazo y la pincelada: cómo una misma mancha puede sugerir volumen, textura o movimiento.

Esto te obliga a pensar como el artista original, a reconstruir mentalmente sus decisiones y su proceso.
 

3. Entrenamiento del ojo y la mano
Copiar desarrolla la capacidad de observación al máximo. Te obliga a detectar proporciones, relaciones espaciales, matices cromáticos y valores tonales que a simple vista pueden pasar desapercibidos. Además, entrenas la coordinación mano-ojo, afinando tu precisión.

4. Comprender el "porqué" detrás del "cómo"
Un gran maestro no pinta de cierta manera por casualidad. Cada simplificación, cada detalle omitido o exagerado tiene un motivo. Copiarte permite descubrir esos criterios de selección y aprender a aplicarlos a tu propio trabajo.
 

5. Generar una base sólida para tu propio estilo
Paradójicamente, copiar no te convierte en un imitador. Cuanto más comprendes las soluciones de los grandes, más herramientas tienes para crear tus propias respuestas visuales. Muchos estilos personales se han forjado sobre el estudio profundo de otros.

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Un tip de regalo. Beneficio emocional y motivacional
Recrear una obra maestra puede ser profundamente gratificante. Sentir que puedes reproducir, aunque sea parcialmente, algo que admiras, alimenta la confianza y mantiene viva la pasión por pintar, como me pasó cuando pinté la dama desconocida de Iván Kramskoi.

Aquí te dejo un enlace para que conozcas mejor a este gran artista ruso.

Me presento

 

 

 Soy David Fernández Hidalgo, artista plástico y profesor, y es un placer presentarme en este espacio.

Nací en Játiva (Valencia) en 1974, pero desde 1990 estoy afincado en Alicante, que es donde he desarrollado principalmente mi obra plástica. Para mí, dibujar y pintar no fue algo que "comenzó" en un momento específico, sino que ha formado parte de mí desde que tengo uso de razón. Nunca dejé realmente esta actividad, ni siquiera en la adolescencia.

Mis raíces artísticas son profundas. Recuerdo ver desde pequeño los cuadros de mi abuelo, Antonio Hidalgo Peña, quien era pintor profesional, colgados en casa. También crecí viendo a mi padre, Ramón Palmeral, dibujar, pintar y crear todo tipo de objetos con sus manos. Y, por supuesto, mi tío Miguel Fernández Fernández profesor de dibujo y pintura en Málaga. ¡He estado rodeado de artistas toda mi vida!

Mi formación académica fue en Bellas Artes en San Carlos (Valencia) actual UPV, lo cual influyó mucho en mi estilo de pintura y dibujo a finales de los años 90. Buscaba el realismo y la figuración, y el ambiente académico me llevó a trabajar intensamente del natural y a dominar la técnica. He viajado mucho, especialmente a Sevilla y Málaga, donde vivían mis abuelos, y mis padres siempre me llevaron a museos. Esto me permitió conocer la obra de grandes maestros como Ribera, Ribalta, Sorolla, Benlliure, Pinazo, Muñoz Degrain o Bernardo Ferrándiz en Valencia, y Murillo, Valdés Leal o Zurbarán en Sevilla. En Málaga, me influyeron las obras de José Gartner de la Peña, Fernando Labrada, Pedro Sáenz Martínez y Enrique Simonet Lombardo.

Un hito importante en mi carrera fue en 2002, cuando mi paisaje urbano fue adquirido por la Diputación de Alicante para sus fondos, a través de la Convocatoria de Artes Plásticas. Fue un gran motivo de orgullo que mi cuadro formara parte de una institución pública, y marcó la culminación de un proceso de aprendizaje intensivo, fuertemente influenciado por el academicismo y la pintura minuciosa.

En 2003, decidí dedicarme también a la enseñanza pública. Siempre admiré a mis propios maestros por su paciencia, y sentí la necesidad de transformar la educación artística convencional en los institutos.